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Channel: Bajo el Signo de Libra
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El Mundo de James Bidgood

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James Bidgood (Peter Yang)

Precursor de Steven Arnold, Pierre et Gilles o David La Chappell, James Bidgood revolucionó la imaginería erótica gay masculina. Bidgood toma la estética pulp y el glamour de los años 40 y 50, creando una excitante mezcla entre lo camp y lo surrealista, aplicándolos a las fantasías eróticas masculinas.

"There was no art, they were badly lit and uninteresting. Playboy had girls in furs, feathers and lights. They had faces like beautiful angels. I didn’t understand why boy pictures weren’t like that."

Apache (Tommy Coombs)

Resulta impresionante pensar que su obra fueron creadas en su exiguo apartamento, obra caracterizada por la utilización de colores vibrantes así como exagerados accesorios y disfraces.

"Models were not that easy to find especially for the kind of work I was doing which called for more of the subject’s time than a pose or two wearing less than two square inches of jersey and some elastic and leaning against some fagelas elaborate mantelpiece. In the time I needed to do one shot they could turn ten tricks. And there weren’t all that many great beauties around willing to be photographed nude or semi nude in homoerotic situations. Remember this was before being gay and/or being a ‘male escort’ or pornography, quasi or otherwise, were as acceptable or mainstream as they are now."


Sus obras fueron publicadas en revistas underground, y también fue el director de "Pink Narcissus" (1971), explosión de colorido y erotismo que ha resistido la prueba del tiempo convirtiéndose en una obra de culto.

Cadet, Pink Narcissus

At Cave Opening, Sandcastles (Bobby Kendall y Jay Garvin)

Mandolin Gilded Cage (Larry Perier)

Smoking, Sandcastles (Bobby Kendall y Jay Garvin)

Bidgood llegó a Nueva York en 1951, comenzando a ganarse la vida como drag queen, peluquero escenógrafo y fotógrafo para Adonis y MuscleBoy, en 1963 comenzó a trabajar en su primera película, "Pink Narcissus", trabajo que durará ocho años (1963-1971).

Al final, los productores para poder exhibirla  tuvieron que robar la película de apartamento Bidgood, motivo por el cual Bidgood se negó a poner su nombre a la cinta (motivo por el cual en un principio fue adjudicada a Andy Warhol o Kenneth Anger), dejando los créditos de director como "Anonymous", (en 1999 se declarará oficialmente como el director de la película).

En 2000 comenzó su nueva película: Fag , una obra descrito por el autor como " una especie de autobiografía, obviamente aún está en curso de filmación.

Setting Down White Boot, First Cover (Bobby Kendall)

Willow-Tree (Bruce Kirkman)

Bobby Kendall (Pink Narcissus)

Hanging Off Bed (Bobby Kendall)

Blue Boy, Pink Narcissus (Bobby Kendall)

James Bidgood, Pan from Behind

Harem Boy in Front of Peacock (Pink Narcissus)

James Bidgood, Pan


Valentine

+ Información:

http://clampart.com/james bidgood
http://brightlightsfilm.com/52/bidgoodiv.php
http://es.wikipedia.org/wiki/James Bidgood



Franz Kafka "Cuadernos en octavo"

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Andy Warhol (1928-1987). Franz Kafka, de la serie Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century, 1980

"Entre los papeles de Kafka, junto con otras cosas, se encontraron ocho pequeños cuadernos azules en octava, de esos que en la escuela se llaman “cuadernos de deberes”. Contienen muchas otras reflexiones además de los aforismos. Este libro presenta los pensamientos de Kafka en el orden en que fueron escritos. Los cuadernos en octava contienen numerosos fragmentos y hasta cuentos completos. El primer cuaderno tiene un solo texto fechado, el del 19 de febrero de 1917. Sobre la base de esa única nota con fecha cabe deducir que se trata, cronológicamente, del primero. Los cuadernos en octava no fueron numerados por Kafka, como lo hizo con aquellos en cuarto, de manera que el orden en que se presentan proviene de simples conjeturas."

Fragmento del prólogo de Max Brod


18 de octubre de 1917. Miedo de la noche. Miedo en la no-noche.

19 de octubre. La insensatez (palabra demasiado fuerte) de distinguir lo que es nuestro y lo que es del adversario en las luchas espirituales.

Toda ciencia es metodología respecto de lo absoluto. Por lo que no es dado temer a lo unívocamente metodológico. No es más que una cáscara, un ropaje, pero no más que cualquier otro, salvo aquella sola.

Todos nosotros libramos una lucha. (Cuando, acometido por el último desafío, tiendo la mano atrás para empuñar un arma, no puedo evidentemente elegir entre varias, y si pudiera debería tomar una "ajena", dado que todos nosotros tenemos un solo depósito de armas.) No puedo librar una lucha personal. Si, de vez en cuando, me creo independiente y no percibo a nadie cerca, muy pronto descubriré que, dada la situación general, no captada enseguida por mí o directamente imperceptible por mí, debía ocupar precisamente ese lugar. Lo que no excluye, naturalmente, que existen correos, retaguardias, francotiradores y todas las otras gamas y características del arte de la guerra, pero no hay nadie que guerree por cuenta propia... ¿(Humillación) de la vanidad? Sí, pero también necesario y verdadero estímulo.

Hay que recobrar el aliento cada vez que se sale de un tanque de vanidad o de autocomplacencia. La orgía constituida por la lectura de mi cuento publicado en Der Jude*. Como una ardilla enjaulada. Felicidad por el movimiento, desesperación por la estrechez, locura de la perseverancia, sensación de desolación frente a la calma exterior. Todo ello alternativa o simultáneamente, aun en el lodo del fin.

Una soleada franja de felicidad.

Debilidad de la memoria respecto de los detalles y la estructura del propio concepto del mundo: pésima señal. Solamente fragmentos de un todo. ¿Cómo quieres siquiera rozar tu deber supremo, cómo quieres siquiera intuir la proximidad, siquiera soñar la existencia, siquiera invocar el sueño, siquiera aprender las letras que componen la invocación, si no estás en condiciones de concentrarte hasta el punto que, cuando sea el momento decisivo, puedas apretar tu todo en la mano como se aprieta una piedra para arrojarla, un cuchillo para matar? Por otra parte: no hace falta escupirse en las manos antes de unirlas en plegaria.

¿Es posible pensar una cosa desconsolada? O mejor, ¿una cosa tan desconsolada que no tenga siquiera soplo de consuelo? Una escapatoria sería considerar como consuelo el conocer por sí mismo. Podría pensarse, por ejemplo: debes abolir-te, y mantenerse moralmente en pie sin falsear la realidad de tal descubrimiento, sostenido por la conciencia de haberse dado cuenta. Lo que significa verdaderamente arrancarse de la ciénaga tirando del propio pelo. Pero lo que es ridículo en el mundo físico, es posible en el espiritual. En él no rige la ley de gravedad (los ángeles no vuelan, no abolieron ninguna gravedad, somos nosotros, observadores de este mundo terreno, que no sabemos expresarnos mejor), cosa que para nosotros, desde luego es inimaginable, o lo es sólo en un grado más elevado. Qué mísero es el conocimiento que tengo de mi habitación. (Ñocha.) ¿Por qué? No existe una observación del mundo exterior. La psicología descriptiva, por lo menos, se incluye con toda probabilidad en el campo del antropomorfismo, y del mundo interior apenas toca los límites. El mundo interior se puede vivir nada más, no describir. -La psicología es la descripción del reflejo del mundo terreno en la superficie celeste, o mejor: la descripción de un reflejo, como nos lo imaginamos nosotros, criaturas impregnadas de tierra, porque en realidad no hay ningún reflejo, somos nosotros únicamente quienes vemos tierra hacia donde miremos.

La desgracia de Don Quijote no es su fantasía, es Sancho Panza.

Nosotros, vistos con nuestros ojos sucios de tierra, nos encontramos en la situación de un grupo de viajeros en ferrocarril que han sufrido un accidente en un túnel, precisamente en un punto donde no se ve ya la luz de la entrada, y en cuanto a la de la salida, parece tan minúscula que la vista ha de buscarla continuamente y perderla continuamente, mientras no se tiene siquiera la seguridad de si se trata del principio o del fin del túnel. Entre tanto, en torno de nosotros, en el desorden de nuestros sentidos o en su hipersensibilidad, se da una multitud de monstruos y una especie de juego caleidoscópico fascinante o fatigante, según el humor y las heridas de cada uno.

¿Qué debo hacer? o bien: ¿Por qué debo hacerlo?, no son preguntas que se mediten allí dentro.

Muchas sombras de difuntos no hacen más que lamer las ondas del río de los muertos, porque llega de nuestro mundo y conserva el gusto salobre de nuestros mares. Entonces, el río, detenido por el asco, se pone a correr hacia atrás y empuja a los muertos de vuelta a la vida. Pero ellos están felices, cantan himnos de agradecimiento y acarician las aguas trastornadas.

A partir de cierto punto, en adelante no hay regreso. Es el punto que hay que alcanzar.

El momento decisivo de la evolución humana está siempre en transcurso. Por eso tienen razón aquellos movimientos espirituales revolucionarios que declaran insignificante todo lo anterior, ya que, efectivamente, no ha sucedido nada todavía.


Franz Kafka "Cuadernos en octavo"
160 Páginas
Rústica Fresado
I.S.B.N.: 978-84-206-3835-5
Código: 3460562
9,50 IVA incluido
Abril 1999

+ Información:

http://www.alianzaeditorial.es/


El Japonismo la fascinación por Oriente

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Durante la segunda mitad del siglo XIX, toda Europa cae rendida ante la fascinación producida por el arte japonés dando lugar a un movimiento artístico muy conocido internacionalmente, pero no tanto aquí, el japonismo, una de las expresiones artísticas más ricas y poliédricas del siglo XIX, que dejó su huella en la obra de artistas del impresionismo, del postimpresionismo, del simbolismo e incluso de la vanguardia.

1830-33, Katsushika Hokusai, Treinta y seis vistas del Mount Fuji, "La Gran Ola desde la costa de Kanagawa

1868, James Tissot, Retrato del Principe Tokugawa Akitake, Tokugawa Museum

1870, Kusakabe Kimbei. Mujer bajo la lluvia. Biblioteca de Catalunya (Barcelona)

1872, Alfred Stevens, La parisina japonesa, c-1872. Musee d'art Moderne et d'art Contemporain, Lieja

En España, el japonismo nació hacia 1870  alcanzando su mayor auge a finales de siglo. Catalunya dispone de un conjunto de obras de este movimiento que sorprende por su diversidad y riqueza estética, así como por lo poco conocido, con lo cual uno acaba llevándose una gratísima sorpresa. Entre los artistas que más destacan obviamente Marià Fortuny que fue su impulsor, Joan Miró o Pablo Picasso.

1880, Jose-Villegas, "Juegos Orientales". Coleccion Fundacion Cajasol

1880-85, Raimundo Madrazo, "La lectura". Colección Carmen Thyssen Bornemisza

1881, Edouard Manet "Crisantemos", Museum of Modern Art Ibaraki

1887, Asahi Yaki Tokyo, Gottfried Wagener, "Gran plato decorativo con carpas"1887.Colección particular

1892, Santiago Rusinol, "La butte", MNAC (Barcelona)

1892, Toulouse Lautrec "Divan japonais". Victoria and Albert Museum (Londres)

1894, Francesc Masriera, "Joven descansando", Museo del Prado (Madrid)

1894, Toyohara Chikanobu, "Fiesta de la contemplación de las flores del cerezo" (On hanami).Serie: recinto interior de Chiyoda

1895, William Merritt Chase, "El quimono" Fundación Colección Thyssen Bornemisza

1897, "Sombras", Ramón Casas & Miquel Utrillo, Coleccion Jordi Carulla

1899, Alexandre de Riquer "Crisantemos". Colección Graells-Castellà 

Más de trescientas obras entre las que se encuentra la reconstrucción del pabellón japonés de la Exposición Universal de 1888, exquisitamente escogidas, abarcando un timeline que va desde 1870 hasta la Guerra Civil. Pintura, grabado, cerámica, ilustración, joyería, mobiliario, etc, que nos acercan el momento en que el impacto japonés caló con hondura en la mentalidad y en el gusto europeo, un impacto que llegó en el momento justo, acompañado por la sinuosidad del modernismo y que desde entonces no nos ha abandonado.

1901, Pablo-Picasso, "Sadayakko", Colección Pieter y Olga Dreesmann, Bruselas

1902, P.Tera "Cigarrillos París" Museu d'Olot (Olot)

1902, Ramon Casas, "Sadayacco", MNAC (Barcelona)

1905, Adolf Beckert, "Vase", Museo de Artes Decorativas (Madrid)

1917, Joan Miró. "Retrato de Enric Cristòfol Ricart", MoMa, Nueva York

1918-1923, Salvador-Dali "Biombo", Fundacio Gala Salvador Dali (Figueres)

1920, Cristobal Balenciaga, Bata estilo quimono", Cristobal Balenciaga Museoa


+ Información:

http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/japonismo_es.html
http://cultura.elpais.com/cultura/2013/06/14/actualidad/1371236324_775580.html


La Mirada de Olive Cotton

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Olive Edith Cotton (1911-2003) es considerada una de las pioneros del modernismo fotográfico australiano, su trabajo, de gran dulzura y tranquilidad,  se distingue de la utilización de audaces composiciones y el dramatismo que imprime a la iluminación con la que moldea las formas.

Su aguda capacidad de observación dejará fotografías asombrosas de los paisajes australianos, los árboles, las nubes, las flores. Arte y ciencia se entremezclan para homenajear a la belleza.

El trabajo de Cotton fue incluida en varias exposiciones durante la década de 1930 pero su primera exposición individual fue en el año 1985.

Max c.1935

Max in shadows c.1935

Untitled (sand and spinifex) c 1935

Max after surfing, 1937

Shasta daisies, 1937

Sunday in the hills, Comboyne. 1937

Olive Edith Cotton descubrió el arte de la fotografía en la infancia, teniendo su primera cámara cuando contaba 11 años, desde entonces no dejará de hacer fotografías. Su madre fue una pintora que murió joven, su padre, un geólogo, que había aprendido los rudimentos de la fotografía en 1907 en un viaje a la Antártida y que más tarde enseñó a sus hijos.

Tras graduarse en Letras trabajó con éxito, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, como fotógrafa en los estudios Dupain en Sydney, luego se trasladó con su marido, Ross McInerney, cerca Koorawatha, NSW.

Durante 20 años no tendrá facilidades para acceder a las instalaciones de un cuarto oscuro, pero aún así seguirá fotografiando  En 1964 abrió un pequeño estudio en Cowra y comienza a tomar retratos, fotografiar bodas y encargos. En 1985 logra su primera exposición individual en el Centro Australiano de Fotografía (Sydney), tras lo cual comenzará un periodo de redescubrimiento e impresión de su obra fotográfica.

Girl with mirror, 1938

Portrait of Joyce Cotton, 1938

The way through the trees, 1938

Grass at sundown. 1939

Over the city, 1940


Clarence Street, Sydney, 1942

Skeleton leaf, 1964

Wild plum, 1984

+ Información:

http://artsearch.nga.gov.au/Olive Cotton
http://australia.gov.au/olive-cotton

La Luminosidad de Federico Barocci

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1570-75, Autorretrato, Galleria degli Uffizi, Florence

Barocci (1535-1612), el maestro olvidado e indudablemente uno de los grandes. Su obra es una suma del cromatismo de Lotto y la gran capacidad compositiva de Corregio. No obstante su olvido o postergación nace de la imposibilidad de inscribirlo directamente en ninguna de las corrientes del momento. Asume su formación como Manierista y a la vez avanza el Barroco, pero ni es clásico, ni manierista ni barroco. Federico Barocci recibiría los primeros rudimentos de su aprendizaje de la mano de Francesco Menzochi da Forli y de Battista Franco. Pero sería su incansable afán por el dibujo lo que le llevaría a la perfección que demostrará, así que estamos ante un autodidacta, lo cual dotará a su obra de gran cantidad de innovaciones, las cuales están bastante alejadas de las de sus contemporáneos, tanto en la iconografía como en la forma y en el cromatismo.

1556-57, Crocifissione, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino

1567-69, Deposizione dalla Croce, Catedral de Perugia

1567, Madonna di San Simone, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino

1570-1575, retrato de joven, Galleria degli Uffizi, Florence 

1570, Descanso en la huida a Egipto, Pinacoteca, Vaticana

1572, Retrato de Francesco Maria II della-Rovere

Urbino, ciudad donde había nacido Rafael fue durante el Quattrocento, bajo el gobierno de Federico de Montefeltro, un importante centro creativo y científico basado en el mecenazgo de un hombre que llevaría a cabo la reforma urbanística de la ciudad y la construcción del portentoso palacio ducal. Barocci centrará su obra en los temas religiosos, sólo se le conoce un lienzo de temática mitológica "La huida de Eneas de Troya", encargo del duque Francesco Maria II della Rovere. Aún estando frente a temas religiosos nos enfrentamos a obras cargadas de un gran dinamismo y de refinadas composiciones con un cromatismo que nos sorprende por su suntosidad, obras que han sido calificadas por sus coetáneos como poseedoras de una extraña cualidad, la vaghezza, una especial conjunción entre piedad y sensualidad.

1575-76, Madonna del Gatto, The National Gallery, London.

1579-82, Santo Entierro, Chiesa della Croce, Senigallia

1579, Madonna del Popolo, Galleria degli Uffizi, Florence

1580-90, Retrato de un joven

1582-84, Anunciación, Museos Vaticanos

1590,Circuncisión, El Louvre

1592-96, Martirio de San Vidal, San Vitale, Milán

1597, Natividad, Museo del Prado

1598, St. Jerónimo, Galleria Borghese, Roma

1600–1604, San Francisco, Metropolitan Museum

1600, Quintilia Fischeri, National Gallery Washington

1600, Retrato de una joven, Statens Museum for Kunst

+Información:

http://www.artcyclopedia.com/artists/barocci_federico.html
http://www.museodelprado.es/enciclopedia/barocci-federico
http://www.virtualuffizi.com/biography/Federico-Barocci.htm



Persona (1966) - Ingmar Bergman

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 "Persona" (1966) - Ingmar Bergman  (Poster original)

"Probablemente no sea un mero accidente histórico que el significado de la palabra “persona” sea “máscara”. Es más bien un reconocimiento del hecho de que, más o menos, conscientemente, siempre y por doquier, cada uno de nosotros desempeña un rol. (…) Es en estos roles donde nos conocemos mutuamente; es en estos roles donde nos conocemos a nosotros mismos. (…)
En cierto sentido, y en la medida en que esta máscara representa el concepto que nos hemos formado de nosotros mismos –el rol de acuerdo con el cual nos esforzamos por vivir–, esta máscara es nuestro “sí mismo” más verdadero, el yo que quisiéramos ser." 
 Robert Ezra Park, Race and Culture, The Free Press, Glencoe, 1950, págs. 249-250. 







La Mirada de Joan Fontcuberta

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"Hoy en día el arte no es una cuestión de factura, de realización material, sino de gestión de la imagen, de gestión de significados"
 Joan Fontcuberta

"Joan Fontcuberta, que a lo largo de más de treinta años no ha dejado de investigar y cuestionar el medio fotográfico, es uno de los fotógrafos contemporáneos más imaginativos. Su obra se caracteriza por adoptar unas perspectivas conceptuales originales y lúdicas, que exploran, en particular, las convenciones fotográficas, los medios de representación y las reivindicaciones de veracidad. En proyectos interdisciplinares que se expanden fuera del espacio expositivo, Fontcuberta desafía conceptos que son propios de la ciencia y la ficción. Además de su práctica fotográfica, articula su compromiso con el arte fotográfico en sus facetas de escritor, profesor y comisario, y ha sido una figura enormemente inspiradora para las generaciones más jóvenes".

Fundación Hasselblad 2013

1982, Guillumeta polymorpha


1984, Lavandula angustifolia

1984, Braohypoda frustrata

1984, Giliandria escoliforcia

El fotógrafo Joan Fontcuberta (1955, Barcelona) además de un reconocido fotógrafo conceptual, es escritor, editor, comisario y profesor. Graduado en Comunicación por la Universidad Autónoma de Barcelona en 1977. Trabajó en publicidad, desde 1979 hasta 1986 fue profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. En 1980 fue uno de los fundadores de la revista Photovision y desde 1993 es profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. 

Fontcuberta ha impartido clases en numerosas instituciones, entre las que destaca la Universidad de Harvard (Estados Unidos). En 1994 fue ordenado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura francés. Por si todo esto fuera poco, el listado de exposiciones y publicaciones en las que se ha mostrado su obra es enorme. 

Fontcuberta es un creador de  ilusiones fotográficas libremente inspiradas en lo real, su trabajo se desenvuelve en el filo de la realidad creando un universo visual en el que los conceptos de verdad y ficción están estrechamente entrelazados.

1920, Palmera excelsa

1992, La nascita de venus

1993. Ophelia 

2002, Miracle de la deconstrucció correlativa

2002, Miracle de l'electrogènesi 

2002, Miracle de l'ictiolització massiva i halièutica portentosa 

2002, Miracle de la feminitat 

2002, Miracle de la levitació

2002,Miracle de la criofloracion

2002, Miracle de l'ignició fatua 


+ Información:

http://www.fontcuberta.com/

Tàpies. Visión interior

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Taller d'Antoni Tàpies a Campins © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona. De la fotografia: © Gemma Mercader, 2013

"Tàpies. Des de l’interior"
Comisario: Vicent Todolí
Organiza: Fundació Antoni Tàpies y Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC).
Hasta el 3.11.13

"Hacia finales de 1958, incrementé mucho (…) las obras realizadas con materiales considerados pobres. Experimenté la necesidad de insistir y profundizar todo aquel mensaje de lo que es insignificante, gastado o dramatizado por el tiempo. Junto a las grandes composiciones murales –a gritos o en silencio–, los residuos de cada día. En realidad fue la reanudación más consciente de temas que a menudo me habían atraído. En mis investigaciones había descubierto esta materia, que yo encuentro tan cargada de extrañas sugestiones, como es el cartón. Materia gris, anónima, que difícilmente se presta a ser manipulada y justamente por eso la más pequeña huella de la mano lo atormenta y lo destroza. Pero el trozo de cartón, la caja, la tapa, la bandeja (…), la ropa sucia (calcetines, camiseta, calzoncillos…), mueble viejos, cosas cotidianas…, no usados como una representación o tema del cuadro  sino como verdaderos cuerpos, objetos. (…) Y en este sentido me he visto influido o emparentado con algún precursor dada, con Duchamp, con Schwitters… Pero hay otros aspectos de la función «ascética», de la «sacralización» del mundo inmediato al que me he referido… De la «suprema identidad» del Samsara con el Nirvana. El uso de nuevos materiales, del collage y del ‘assemblage’, se generalizó bastante entre algunos nuevos artistas de aquel momento".
Antoni Tàpies, Memoria personal, Barcelona, Crítica, 1977: p. 331

Antoni Tàpies, Porta metàl·lica i violí, 1956 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Tela encolada, 1961 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Matèria en forma de peu, 1965 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Verd-blau palla, 1968 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Una exposición, dos centros de arte, La Fundación Tàpies y el MNAC unen esfuerzos en esta exposición para acercarnos la mirada interior de Antoni Tàpies. Podemos ver obras que por primera vez ven la luz pública, obras guardadas en el taller del artista. Por una parte, tenemos las pinturas matéricas o murales, que se exponen mayoritariamente en las salas del Museo Nacional de Arte de Cataluña, y, por el otro, los objetos y materiales pobres en la Fundación Antoni Tàpies.
Dos exposiciones que nos muestran la incansable capacidad de experimentación de Tàpies y su su interés por los materiales cotidianos, aquellos objetos insignificantes que conforman nuestro día a día y que en sus manos asumirán un nuevo lenguaje. Una exposición eminentemente sensorial, en la que cada uno se encontrará sólo frente a la obra y extraerá sus propias ideas y los motivos por los que el artista guardaba estas obras para si.

Antoni Tàpies, Pantalons sobre bastidor , 1971 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Figura amb pits i ventre, 1945 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Zoom, 1946 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Matèria, 1962 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Parla, parla, 1992 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

Antoni Tàpies, Encreuat, 2010 © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

+ Información:

http://www. fundaciotapies.org
http://www.mnac.cat/ exposicions





George Barbier: Vaslav Nijinsky (1913)

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Lo primero dar las gracias al siempre estupendo John Coulthart por su blog { feuilleton }, el cual me ha recordado entradas ya realizadas pero que pueden ser desarrolladas aún más. Este es el presente caso, la fascinación que desde un principio ejerció Vaslav Nijinsky y todo aquello que rodeó a los ya míticos Ballets Rusos de Diáguilev.

Al igual que muchos de sus contemporáneos George Barbier sucumbiría a la fascinación que representaron el orientalismo y los ballets Rusos, así como su principal bailarín, Vaslav Nijinsky, el cual se convertiría en toda una inspiración para esta importante figura de la pintura, la ilustración y el diseño de modas del Art Decó. Los poéticos movimientos del célebre bailarín ruso inspirarían una serie de obras que darían lugar al primer libro ilustrado de Barbier y una de las primeras producciones profusamente ilustradas que se conocen en edición de lujo. Además sería enormemente popular en Francia y en Londres durante las década de 1910 y 1920.

Carnaval

Carnaval

Cléopâtre

Jeux

L’oiseau de feu

Le Pavillon d’Armide

Le Spectre de la Rose

Le Spectre de la Rose

Narcisse

Narcisse

Prélude à l’après-midi d’un faune

Pétrouchka

Schéhérazade

Schéhérazade

Schéhérazade


+ Información:

http://www.johncoulthart.com/feuilleton/2013/05/31/george-barbiers-nijinsky/
http://bajoelsignodelibra.blogspot.com.es/search/label/Ballets Rusos


La Mirada de Pere Formiguera

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Pere Formiguera fotografiado por Pau Raurich

"La fotografia és la meva vida. Jo no m’imagino la meva vida sense fotografia."

Pere Formiguera (Barcelona, 1952 - 2013) uno de los fotógrafos más destacados de su generación, irrumpió en el panorama fotográfico durante los años 70 del siglo XX. Graduado en Historia del Arte por la UAB, ha sido un miembro del departamento de fotografía de la Fundación Miró y del Grupo Asesor del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).
De sus series fotográficas destacan: "Fauna secreta" (1983-87, junto con Joan Fontcuberta con quien ha realizado numerosas exposiciones en España, Europa y América Latina.), "Cronos" (1990), "Diálogos con la pintura" (2004-06), "Ulls Clucs" (1998/2001)

 Sèrie "Via Dolorosa"

Sèrie "Via Dolorosa"

Sèrie "Via Dolorosa"

"Em sembla que sóc un fotògraf honest, això sí. Faig el que crec que he de fer. Això de les etiquetes, em sobra bastant. M’han classificat de maneres molt diverses, de manera que suposo que un punt de dificultat en la classificació sí que la hi ha." [1]
 Pere Formiguera

 Sèrie "Cronos"

 Sèrie "Cronos"

 Sèrie "Cronos"

Sèrie "Diàlegs amb la pintura"

"La meva primera exposició va ser als anys 70, i em vaig adscriure a un corrent que consideràvem que la fotografia, a part dels seus usos comercials, etc., en tenia un de més poc explotat: el de ser transmissor d’idees artístiques, més abstractes. És a dir, incloure-la dintre de les diverses especialitats de l’art contemporani." [1]
Pere Formiguera 

Sèrie "Trànsits"

 Sèrie "Trànsits"

 Sèrie "Trànsits"

 Sèrie "Trànsits"

 Sèrie "Ulls clucs"

 Sèrie "Ulls clucs"

 Sèrie "Ulls clucs"

Sèrie "Ulls clucs"


[1] Fragmentos pertenecientes a la entrevista publicada en el "Diari de Sant Cugat"

+ Información:

http://www.pereformiguera.com/


Algunas Sugerencias Literarias

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Poco a poco hemos llegado a las puertas de agosto, momento para tomar un respiro y alejarse durante unos cuantos días de este mundo de los blogs.
He de confesar que todos en mayor o menor medida hemos asistido a una temporada tensa, agotadora, irritante, en la que sentimientos de desilusión y derrota no han dejado de abandonarnos, sentimientos que nos han minado por dentro y nos han obligado a un esfuerzo de disciplina para poder continuar.

Muchas han sido las veces en que he caído en la tentación de dejarlo correr, de abandonar el blog, faltaba la ilusión, el empuje, creo que en cierta medida se ha visualizado, aunque de forma indirecta, al final logré continuar a fuerza de lograr pequeños espacios de calma huyendo de la realidad circundante. Por eso quiero dar las gracias a todos los que seguís aquello que voy publicando, ya que de vosotros surge, en gran medida, el empuje para continuar.


Para despedirme creo que no hay nada mejor que unas recomendaciones literarias, y para empezar "Optimístico" de Iñaki Echarte Vidarte (Baile del sol2013). Una nueva oportunidad de asomarnos al mundo  tremendamente sensorial de Iñaki, pequeños poemas que a veces son como dagas.

me abracé a ti
por detrás
apreté con las manos
tu uvedoble griega
de formas perfectas
puse la cabeza
sobre tu hombro
olisqueé tu cuello
te apreté
contra mi cuerpo
sentí
al agitado latir de tu corazón
bajo la mano izquierda
el palpitar de mi pene
contra tu espalda
cerré los ojos
me apreté
aun más
a ti
como si fuera a perderte
y suspiré

Iñaki Echarte Vidarte

http://echartevidarte.blogspot.com.es/

Sigo con más poesía, tal vez porque los poetas son los que mejor saben tocar nuestras almas e inspirarnos


"Monólogos en el vacío" de Ángel Paniagua (Planeta clandestino nº 97. Ediciones 4 de Agosto, 2.011)



Soy eterno
porque no me preocupo del silencio
que anida en mis entrañas,
de la luz que recorre los ocultos
senderos de mis hojas,
porque apelo a la noche y voy hundiendo
despacio mis raíces, voy hundiéndome
en esta misma tierra, en este mismo
destino sin historia, regresando
a mi sangre desde el día primero,
desde todos los años que soporto
sin meta y sin cansancio.
Cada noche
es la noche, cada día es el día,
esta tierra es la tierra y mi destino
ni siquiera soy yo: no soy destino
ni lucha ni impaciencia.
Y cuando vuelva
definitivamente al seno que me trajo
seguiré caminando hacia mi adentro,
seré presencia quieta,
silencio ensimismado y ansiedad
del final inequívoco de todo.

Ángel Paniagua

http://ajustesyotrascuentas.blogspot.com.es/

Planeta clandestino, una colección de cuadernos de poesía hechos de forma completamente manual, que nos da el valor añadido de que cada ejemplar viene firmado por el autor y numerado.

 Para cerrar una tercera sugerencia, esta de la mano de la editorial Cabaret Voltaire, nos trae la primera novela, aún inédita en castellano, de Jean Cocteau, "El Potomak"


"Lo que el público te reprocha, cultívalo: eso eres tú."

Jean Cocteau, El Potomak

Un compendio de diversos textos de carácter poco menos que delirantes, como la de los malvados Eugènes que devoran a la pareja de los recién casados Mortimer, la Faringe que declama el poema del cocodrilo que se come a mordiscos a Odilia, Teseo invitado por el Minotauro a realizarle una cordial visita y como no el Potomak, título del libro, un misterioso monstruo que habita el acuario de los sótanos de la iglesia de La Madeleine.


 Y para cerrar esta pequeña serie de sugerencias qué mejor que nuestro santo patrón San Jean Genet en una visión de primera mano, la de Mohamed Chukri.

"Leyendo el diario de Chukri, veo y oigo a Genet con tanta claridad como si estuviera viendo una película sobre él. Para lograr semejante grado de precisión refiriendo hechos y palabras, se requiere una visión singularmente penetrante."
 William Burroughs

http://www.cabaretvoltaire.es/

Picasso por Picasso. "Yo Picasso. Autorretratos"

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Jacques-Henri Lartigue, Pablo Picasso, Cannes, 1955

"Pinto como otros escriben su autobiografía. Mis telas, acabadas o no, son como las páginas de mi diario, y como tales, son válidas. El futuro escogerá las que prefiere. Tengo la sensación de que el tiempo pasa cada vez más deprisa. Soy como un río que sigue fluyendo, arrastrando árboles arrancados de cuajo por la corriente, los perros reventados ... Lo arrastro todo y sigo. Cada vez tengo menos tiempo y más cosas que decir."

Pablo Picasso

1896, Autorretrato, Museu Picasso, Barcelona

1898-1900, Autorretrato como gentilhombre del siglo XVIII, Museu Picasso, Barcelona

1899-1900, Autorretrato, Museu Picasso, Barcelona

Vale la pena romper mi descanso estival bloggeril para acercaros la exposición que en estos momentos está teniendo lugar en el Museu Picasso de Barcelona, la primera gran exposición monográfica sobre el autorretrato de Picasso. Una exposición en la que podemos ver cómo se vio el artista a si mismo a lo largo de setenta años, desde su infancia hasta poco antes de su muerte, así como observar la evolución artística que va experimentando a la par que podemos seguir un cierto relato autobiográfico.

Una excelente excusa para acercarse al Museo del Carrer Montcada, aunque en estos momentos haya que armarse de paciencia, debido a las enormes colas de turistas y las restricciones impuestas por el museo en el número de personas que pueden entrar a la vez. Así que es una cuestión de no desanimarse, la exposición bien lo vale. Hasta el 01.09.13

1901, Autorretrato (Yo), MoMA

1901, Autorretrato, Colección privada

1901, Autorretrato, Museu Picasso, Barcelona

1906, Autorretrato con paleta, Philadelphia Museum of Art

1906, Autorretrato, Metropolitan Museum

1907, Autorretrato, Národní Galerie, Praga

1953, Pablo Picasso, La sombra sobre la mujer, Museo de Israel, Jerusalem

 1965, Pablo Picasso, Pintor trabajando, Museu Picasso, Barcelona

1972, Autorretrato, Coleccion privada, Tokio

+ Información:
http://www.bcn.cat/museupicasso/es/exposiciones/encurso.html


Jacint Rigau-Ros i Serra (Hyacinthe Rigaud), Barcelona 1714

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Apertura de Trincheras

A lo largo de la historia el arte no ha sido tan inocente como en principio podría parecer, y este es uno de esos casos. Estos grabados, representación del trágico asedio sufrido por Barcelona a manos de James Stuart, Duque de Berwick, fueron publicados en 1732.

El arte al servicio de una idea y de una propaganda, eso es lo que podemos observar en los cinco primeros grabados, resumiendo estaríamos ante la glorificación militar, pero y el último, la verdad es que no he encontrado documentación para saber que pensaba Jacint Rigau sobre los hechos que estaba plasmando, ya que era catalán (Perpinyà 1659 - París 1743), aunque tal vez sí que nos deja un mensaje en este último grabado de la serie, aquí no hay glorificación militar, sólo pillaje, horror y destrucción.

Incursión catalana pera destruir les trincheras borbónicas

Ataque y ocupación del Camí Cobert


Fase inicial del ataque al baluarte del Portal Nou y de Santa Clara


Batalla del baluarte de Santa Clara

"Los sitiados, tenian un solo regimiento de alemanes, que hacía 300 hombres escasos, nombrado de San Narciso; la demás gentes, todos catalanes y de la Corona de Aragón, menos 223 españoles de diferentes reinos y provincias de España"

Francesc de Castellví i Obando (1682-1757)
"Narraciones Históricas desde el año 1700 al 1725" Vol. IV, pàg. 296

Combate y saqueos en el interior de Barcelona

"Al fin, al amanecer del día 11 de septiembre se dio general. Cincuenta compañías de granaderos empezaron la tremenda obra; por tres partes seguían cuarenta batallones y seiscientos dragones desmontados"

"La defensa fue más obstinada y feroz. Tenían armadas las brechas de artillería, cargadas de bala menuda, que hizo gran estrago. No fueron rechazados los que asaltaron, pero morían en el fatal lindar, sin vencer, hasta que, entrando siempre gente fresca, aflojó precisamente la fuerza de los sitiados, menores en número"

"Todos a un tiempo montaron la brecha, españoles y franceses; el valor con que lo ejecutaron no cabe en la ponderación. Más padecieron los franceses, porque atacaron lo más difícil"

"ya estaban los franceses dentro de la ciudad, pero entonces empezaba la guerra, porque habían hecho tantas retiradas los sitiados, que cada palmo de tierra costaba muchas vidas"

"Todo se vencía a fuerza de sacrificada gente, que con el ardor de la pelea ya no daba cuartel, ni la pedían los catalanes, sufriendo intrépidamente la muerte"

"Fueron éstos rechazados hasta la plaza Mayor; creían los sitiadores haber vencido, y empezaron a saquear desordenados. Aprovecháronse de esta ocasión los rebeldes, y los acometieron con tal fuerza, que los hicieron retirar hasta la brecha."

"Empezóse otra vez el combate, más sangriento, porque estaban unos y otros rabiosos. Los españoles, que por los lados poseían gran parte de la ciudad, viendo habían retrocedido los franceses, también ellos se retiraron a la brecha"

"No se ha visto en este siglo semejante sitio, más obstinado y cruel"

Vicente Bacallar y Sanna, Marqués de San Felipe (1669-1726)
"Comentarios de la guerra de España e historia de su rey Felipe V, El Animoso" ~Biografia Oficial de Felip V~


La Mirada de Karlheinz Weinberger

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Artista relativamente desconocido, Karlheinz Weinberger, fue un fotógrafo a tiempo parcial, autodidacta, que trabajó, la mayor parte de su vida, como almacenista. Curiosamente Weinberger publicó sus fotografías en la revista "Der Kreis", la misma revista gay en la que George Platt Lynes presentó las fotografías de la última etapa de su vida.

En su obra fotográfica es fácil observar una clara dicotomia entre la atracción por los jóvenes matones urbanos y el mundo de la prostitución homosexual: Una iconografía que se ha mantenido viva desde los tiempos de Oscar Wilde hasta los actuales movimientos skinheads o punks gays. Tatuajes, cabezas rapadas,  rockabillies. Un imaginario en el límite de lo antisocial, la atracción de lo peligroso o diferente.




Weinberger logró retratar la imagen que Suiza jamás ofrece, aquello que se esconde detrás de sus acomodadas y burguesas casas. En resumen una Suiza que se hace más humana y atractiva.


Karlheinz Weinberger (1921-2006) pasó la mayor parte de su vida trabajando como encargado de almacén para Siemens-Albis en Zurich. En su tiempo libre ejerció como fotógrafo autodidacta, retratando a sus amantes y a la gente que conoció por la calle. Desde finales de la década de 1940, bajo el seudónimo de "Jim", pasará a publicar sus trabajos en "Der Kreis", revista homosexual editada en Zurich (1943 - 1967), logrando atraer la atención internacional.

En 1958 puso en marcha el "Halbstarke," fotografiar durante un periodo prolongado a ls adolescentes inconformistas de de la ciudad de Zurich.









+ Información:

http://www.karlheinzweinberger. ch
http://xacc.blogspot.com.es/2013/05/karlheinz-weinberger.html

Andrey Avinoff. "The Fall of Atlantis"

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 Andrey Avinoff (1905-15)

"Andrey Avinoff emerges as an important historical figure. He was a gay Russian artist who made it in the very straight world of American science and education, and an autocratic European traditionalist who helped create the modern, anything-goes New York scene. His intriguing body of artwork, multifaceted interests, and equally multifaceted identity significantly enhances our understanding of twentieth-century art, in all its vitality and complexity,"

Lippincott.







A lo largo de su vida, Avinoff, fue mundialmente conocido por sus investigaciones científicas sobre la influencia de la geografía y la ecología en la evolución de las mariposas. Pero también por sus hermosas acuarela, meticulosamente pintadas que expresaron sus ideas sobre la unidad de la naturaleza y la vida. Muchos de las obras de Avinoff se pueden ser leidas como fantasías simbolistas o pesadillas surrealistas, mariposas iridiscentes, flores exquisitamente detalladas, superficies translúcidas, elementos reflectantes como el agua, pompas de jabón, piedras preciosas y medusas.





Su sentimientos privados así como su lealtad a las tradiciones rusas y una visión profundamente espiritual de la naturaleza quedan expresados ​​en su obra.







Amigo de Alfred Kinsey, de quien hizo un retrato, el cual hizo una lectura cargada de connotaciones sexuales de su obra. Avinoff fue bastante reservado sobre su vida privada, aunque no hay duda de su homosexualidad, sólo hay que mirar su obra y un maravilloso retrato de Nijinsky, de quien era admirador, en el que el bailarín se convierte en una mariposa.








Pero el motivo por el que he traido hoy aquí a este entomólogo y artista ruso es por estos maravillosos dibujos que realizó para ilustrar el poema de George Golokhvastoff, "The Fall of Atlantis". Obra que puede ser encuadrada dentro de un cruce entre el simbolismo y el surrealismo

+ Información:

http://www.avinoff.org/
& après ?: Andrey Avinoff
The art of Andrey Avinoff
http://homodesiribus.blogspot/Andrey Avinoff.



Inquietud

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De un tiempo acá, tanto yo como los círculos en los que me muevo, sentimos altos niveles de inquietud unidos a extraños procesos mentales de comparación y analogía. Con ello no quiero decir que acusemos o califiquemos a nadie de nada, pero sí que es una sensación que pende sobre nuestras cabezas cual espada de Damócles.


Se ve que no hay nada peor que la información y el conocimiento de los hechos históricos, los cuales nos lleva a hacer comparaciones, y mientras unos exiben su orgullo sin el más mínimo pudor, hecho no muy alejado de comportamientos del pasado (entiéndase principios del s. XX), otros vemos como nuestro entorno se deteriora sumiéndonos poco más que en la miseria, mientras aquellos que, mediante procesos electorales, han sido elegidos para velar por el bienestar de los ciudadanos dejan pasar el tiempo sin hacer nada o convirtiéndose en los verdugos de sus compatriotas en la más nefanda complacencia con los nuevos y viejos orgullosos.

Dioniso, el desenfreno emocional.

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Dionisos y sátiro ebrios, copia romana del s. II  de un original helenístico. Palazzo Altemps, Roma

Uno de los doce grandes dioses olímpicos, Dioniso es el dios griego del vino, la juerga y los placeres orgiásticos. Su equivalente romano es Baco. Su nombre aparece ya en el segundo milenio antes de Cristo como deidad de la fertilidad, pero su popularidad y la asociación con el vino y la vendimia se desarrollará alrededor del siglo VIII antes de Cristo, cuando se celebraron las primeras producciones teatrales en su honor.

Dioniso era el hijo de Zeus y Sémele, una mortal. En un ataque de celos Hera, esposa de Zeus, indujo a Sémele, en estado de gravidez, a que pidiera a Zeus que se le revelase en su estado divino. La revelación fue tan abrumador que la mató.

Zeus rescató al niño aún no nacido y lo implanta en su muslo, de donde nació Dioniso. Fue criado por las ninfas, pasando sus primeros años disfrazado de niña para esconderlo de la ira de Hera. Este doble nacimiento del hombre y la mujer y el uso de ropas femeninas hará que el dios acabe siendo patrono de hermafroditas y travestís.

Dioniso navegando entre delfines. Kylix ático figura negra. 530 antes de Cristo, Staatliche Antikensammlungen, Múnich

Tres himnos homéricos están dedicados a Dioniso, uno de los cuales cuenta cómo fue secuestrado por piratas que lo confundieron con un príncipe. Cuando se negaron a dejarle marchar, Dioniso transformó la nave en una viña, Él se transformó en león y se comió al capitán y convirtió a los marineros en delfines.

Dioniso y su Thiasos, ánfora con figuras rojas obra del conocido como Kleophrades (500-490 aC)

Dioniso sólo salvó de su destino al timonel Acetes, el cual le había reconocido e intercedido por él a sus compañeros para que lo liberaran. Mitos posteriores convertirán a  Acetes en su amante así como en su primer sumo sacerdote.

Según las Dionisíacas ( Διονυσιακά Dionysiaká, también llamadas Basáricas, Βασσαρικά Bassariká) poema en hexámetros dactílicos, compuesto probablemente entre 450 y 470 d. C. por Nono de Panópolis, poeta egipcio, se nombra al joven Frigio de nombre Ampelos como el primer amante de Dioniso. Cuando el niño fue asesinado por un toro, el dios lo transformó en una vid.

Museo Arqueológico de Antalya. Sarcófago romano (s. II dC): Bacanal.

Los seguidores de Dioniso a menudo tomaban parte en bacanales, fiestas desenfrenadas que incorporaban el vino, el baile y la actividad sexual. El instinto animal desatado que producían las bacanales llevaban a las mujeres seguidoras de Baco, conocidas como Ménades, a la perdida de cualquier tipo de inhibición.

Un ejemplo lo tenemos en "Las Bacantes" de Eurípides. Penteo tiene preso, sin saberlo, a Dionisio arrestado por indecencia, pero el dios consigue escapar, las Ménades vengarán al dios matando y descuartizando a Penteo.

Muerte de Penteo a manos de Ágave e Ino (450-425 a.C), Museo del Louvre

Esta obra es un vivo reflejo del sentido moral y las costumbres sociales a favor de los instintos animales, el cual con el tiempo acabará siendo el origen de la confrontación entre lo emocional "dionisiaco" y lo racional o lógico "apolíneo". El eterno enfrentamiento entre lo primitivo, meramente emocional y el progreso o equilibrio racional.

.................................................................................
Cuando vieron a mi señor subido en el abeto, primero piedras violentamente le
arrojaban, subidas a una roca como una torre, y le disparaban sus varas de abeto; otras
le echaban los tirsos por el aire a Penteo, blanco desgraciado, mas no le llegaban.
Situado en mayor altura que la del deseo de ellas estaba el desgraciado, lleno de apuro.
Por fin, manejando ramas de encina arrancaban las raíces con palancas sin hierro. Mas
como no llegaban al fin de sus esfuerzos, dijo Agave: —Ea, puestas en círculo coged este
arbolito. Ménades, para que alcancemos a la fiera que ha trepado y no pueda publicar las
danzas secretas del dios—. Y ellas infinitas manos aplicaron al abeto y lo arrancaron de la
tierra. Saltó desde arriba y desde arriba hacia el suelo cae dando infinitos alaridos
Penteo, porque ya cerca de su desgracia se dio cuenta. Su madre la primera comenzó
como una sacerdotisa el sacrificio, y cayó sobre él.
Él el gorro de su cabellera arrancó para que le conociese y no le matase, al infeliz, Agave,
y dice, la mejilla tocándola: —Yo, madre mía, soy tu hijo Penteo, el que pariste en la
casa de Equión; compadéceme, madre, y por mis faltas no mates a tu hijo—. Ella,
echando espuma y estrábicas sus iris girando, sin cuidar lo que debía cuidar, dominada
por su Baco, no le hizo caso. Agarró con sus brazos la mano izquierda, y poniendo el pie
en el costado del infeliz, le arrancó el hombro, no por su fuerza,
sino por facultad que el dios concedió a sus manos.
Ino por otra parte consiguió desgarrar sus carnes, y Autónoe y toda la turba de las
bacantes se echó encima, y todo con griterío,
él gimiendo mientras pudo tener aliento, ellas gritando victoria. Y una se llevaba un
brazo, otra un pie con la misma bota, y fueron desnudados
sus costados a tirones, y todas tenían ensangrentadas
las manos, y jugaban a la pelota con la carne de Penteo.
El cuerpo yace esparcido, parte al pie de las ásperas
rocas, parte entre el follaje leñoso de la selva, no es fácil de buscar. Y la infeliz cabeza
precisamente su madre en las manos,
clavada en el extremo del tirso, como de un león montañés, la lleva a través del Citerón,
después de dejar a sus hermanas en los coros de Ménades.
Camina orgullosa de su malaventurada presa hacia esta ciudad, invocando a Baco su
compañero de caza, su colaborador en el triunfo que la reportará lágrimas.
Yo, lejos de esta desgracia me voy, antes de que Agave llegue a esta casa.
Ser prudente y respetar las cosas divinas es lo mejor; creo es la más prudente cosa de
que se pueden servir los mortales.
Las primeras cerámica griegas representan a Dionisos como un hombre barbudo, pero en el siglo V antes de Cristo comienza a aparecer como un hermoso joven. Por lo general sosteniendo el tirso, una lanza con un gran piña en la punta, coronado con hojas parra en la cabeza y vestido con una piel de leopardo. Sus seguidores son criaturas plenamente sexuales como el dios Pan, sátiros, ninfas y faunos.

Fragmento de "Las Bacantes", Eurípides

La representación de Dioniso ha sido un tema muy popular a lo largo de la historia del arte occidental. La Guía de Oxford de la mitología clásica en las Artes, 1300 - 1990 cita nada menos que cerca de 600 obras que representa bien a Dionisos o una bacanal.

Dioniso, Miguel Ángel, Museo del Bargello, Florencia

Alrededor de 1496, un joven Miguel Ángel esculpió un hermoso mármol de un joven borracho desnudo  con una enorme carga homoerótica como imagen de Dioniso. Tiziano nos regalaría en 1523 su magnífico lienzo "Baco y Ariadna", con el dios en éxtasis por la bella Ariadna.

Baco y Ariadna, Tiziano, National Gallery, Londres

En 1595, Caravaggio pintó el famoso Baco, una de las primeras pinturas barrocas, con un tentador dios del vino ofreciéndonos un vaso de vino. Un joven seductor cuyo vestido se desliza de su hombro revelando su pecho desnudo.

Caravaggio, Galleria degli Uffici, Florencia

 Caravaggio, Galleria Borghese, Roma

Más tarde Caravaggio pintó otra versión de Baco que representa al dios como una figura marchita, enfermo víctima de alcohol. Esta representación del dios como una criatura fea continuó durante todo el período barroco, produciéndose una fusión con otra figura dionisiaca, Sileno, un borracho gordo que monta en burro.

Baco (1867), Simeon Solomon, Birmingham Museums and Art Gallery

Baco (1867), Simeon Solomon

En el siglo XIX, el artista Inglés Simeon Solomon pintó por lo menos tres versiones de Dioniso, la primera de las cuales se ha perdido. Un retrato al óleo de la cara de Baco de 1.867  revela la influencia de Tiziano en el artista, pero su acuarela de 1866 del mismo presenta una enorme carga homoerótica con la figura de Baco parcialmente desnuda sosteniendo el tirso fálico en la mano.


Y para cerrar nada mejo que acercarnos a tiempos más actuales como demuestra esta fotografía de 1880, perteneciente a la colección Bernd Stiegler.
Como es lógico los griegos nunca dejaban nada al azar y como ya he dicho este dios tenia su contrapunto, Apolo, pero esa es otra historia, pero lo curioso es que ahora que tanto se usa y abusa de la utilización de los elementos emocionales, relegando cualquier rastro de razón, podemos darnos cuenta de que los antiguos helenos nos avisaron tanto de sus tremendo atractivo así como de los peligros y sus desvaríos que lleva aparejados. Curiosamente La Biblia también nos presenta dos advertencias sobre este tema, uno relacionado con Noe y su estado de embriaguez.

Noé se dedicó a cultivar la tierra, y plantó una viña.
Un día, bebió vino y se embriagó, quedándose desnudo dentro de su carpa.
Cam, el padre de Canaán, vio a su padre desnudo y fue a contárselo a sus hermanos, que estaban afuera.
Entonces Sem y Jafet tomaron un manto, se lo echaron sobre los hombros, y caminando hacia atrás, cubrieron la desnudez de su padre. Como miraban en dirección opuesta, no lo vieron desnudo.
Cuando Noé despertó de su borrachera y se enteró de lo que su hijo menor le había hecho,
declaró: «¡Maldito sea Canaán! Será de sus dos hermanos el más bajo de sus esclavos.»
Y agregó: «¡Bendito sea el Señor, Dios de Sem! ¡Que Canaán sea su esclavo!
¡Que Dios extienda el territorio de Jafet! ¡Que habite Jafet en los campamentos de Sem, y que Canaán sea su esclavo!»

Génesis, 9:20-27

 Y otro con uno de los incestos más famosos de la historia el de Lot y sus hijas actuando cual Bacantes.

Nuestro padre es viejo, y no queda ningún hombre en la tierra que se una a nosotras, como es la costumbre en toda la tierra. Ven, demos de beber vino a nuestro padre, acostémonos con él y conservemos descendencia de nuestro padre.

Génesis 19:31

+ Información:
http://www.theoi.com/Olympios/Dionysos.html
http://www.maicar.com/GML/Dionysus2.html
http://warburg.sas.ac.uk/vpc/VPC_search/subcats.php?cat_1=5&cat_2=89





Pequeño homenaje a un gigante: Patrice Chéreau

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El pasado siete de octubre nos dejaba el director de cine, teatro y ópera además de productor, actor y guionista Patrice Chéreau. Probablemente el grueso del público le conozca Más conocido por sus películas, "Reina Margot" (1994) o la impactante "Su hermano" de 2002 (una película que ofrece una serena visión sobre la difícil relación entre dos hermanos, uno homosexual el otro heterosexual. En la que uno nota cómo si detrás hubiera un arduo trabajo de reconciliación con uno mismo), que por sus puestas en escena de teatro y ópera; para mi era alguien digno de admiración, una figura fundamental dentro de la escena cultural europea, alguien que supo imprimir su sello personal, al margen de modas y modos, a toda su obra. Por eso Bajo el Signo de Libra rinde justo homenaje a alguien que dejó una tremenda huella en todo lo que hizo, una huella fácilmente identificable.


Lo fácil sería basar este recuerdo en el aspecto más fácil y reconocido del gran público, pero no, me remontaré al año 1976 y al festival de Bayreuth, donde se producirá la feliz conjunción de tres genios para dar vida a un montaje mítico de tetralogía wagneriana.Pierre Boulez a la batuta, la impagable música de Wagner y la estupenda puesta en escena de Chéreau darán vida a "Der Ring des Nibelungen" ( Canon de Bayreuth ), compuestas por Richard Wagner entre 1848 a 1874, basadas en figuras y elementos de la mitología germánica, particularmente Sagas islandesas, así como de "El cantar de los nibelungos". Estas óperas son "El oro del Rin" (Das Rheingold), "La valquiria" (Die Walküre), "Sigfrido" (Siegfried) y "El ocaso de los dioses" (Götterdämmerung).


También le debemos el impagable favor de habernos descubierto al último gran clásico de la dramaturgia europea,  Bernard-Marie Koltès. A quien descubriría en 1979 y de quien dirigiría sucesivamente "Quai Ouest" en 1986; "En la soledad de los campos de algodón" en 1987 y "De vuelta al desierto" en 1988. Bernard-Marie Koltès, una figura, hoy en día fundamental, que tal vez hubiera pasado desapercibida sino hubiera sido por Patrice Chéreau. Son tantas las cosas que debemos agradecerle, que la lista sería interminable, por eso en estos tiempos en los que la penuria intelectual nos atenaza debemos reconocer la genialidad y la excelencia allí donde se encuentra y enaltecerla frente a la mediocridad imperante.

+ Información:
 http://www.unifrance.org/annuaires/personne/85442/patrice-chereau
 http://www.theguardian.com/stage/2011/apr/25/patrice-chereau-director-interview-theatre

Catalepton Virgiliano (V)

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Virgilio 70-19 aC. Busto Romano c. 20 aC. Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhagen.


Ite hinc, inanes, ite, rhetorum ampullae,
inflata rhoezo non Achaico uerba;
et uos, Selique Tarquitique Varroque,
scholasticorum natio madens pingui,
ite hinc, inane cymbalon iuuentutis;
tuque, o mearum cura, Sexte, curarum,
uale, Sabine; iam ualete, formosi.
nos ad beatos uela mittimus portus
magni petentes docta dicta Sironis,
uitamque ab omni uindicabimus cura.
ite hinc, Camenae, uos quoque ite iam sane,
dulces Camenae nam fatebimur uerum,
dulces fuistis, et tamen meas chartas
reuisitote, sed pudenter et raro.

Publius Vergilius Maro, "Catalepton" (Appendix Vergiliana)

Marchaos de aquí, inútiles, largaos, pullas de retores,
Palabras hinchadas por no aqueo rechinar;
Y vosotros, Selio, Tarquitio y Varrón,
Especie empapada por la grasa de los declamadores
Marchaos de aquí, inútil címbalo de la juventud;
Y tú, Sexto, preocupación de mis preocupaciones,
Adiós, Sabino; adiós ya, hermosos.
Soltamos las velas hacia un puerto dichoso
En busca de las doctas palabras del gran Sirón,
Y vamos a librar la vida de toda preocupación.
Marchaos de aquí, Camenas, largaos también, sí,
Dulces Camenas, pues vamos a proclamar la verdad,
Dulces fuisteis, y aunque volváis a mirar mis poemas,
con reserva y de vez en cuando.

Publius Vergilius Maro, "Catalepton" (Appendix Vergiliana)


La Mirada de Joan Vilatobà i Fígols

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La galería A34 acoge estos días una exposición monográfica del fotógrafo Joan Vilatobà i Fígols, uno de los primeros fotógrafos pictorialistas catalanes.

En quin punt del cel et trobaré?, 1903-1904

La primera dolencia 1903-04

Sense títol, 1904-1905


En la exposición podremos ver algunas de las fotografías más antiguas realizadas por el artista que se remontan al año 1903, entre las que se encuentran los revelados originales que obtuvieron medalla de oro y varias menciones de honor en el Concurso fotográfico de la Ilustración Catalana, 1903, o el celebrado en Bilbao en 1905. Muchas de estas fotografías no se habían expuesto desde hace más de cien años. Algunas de ellas aún conservan los enmarcados originales del propio artista. Todo el material expuesto es de tiraje de época del mismo Vilatobà, entre 1903 y 1910, la mayoría con la técnica del carbón , un método que era muy apreciado por su calidad y duración. También hay que destacar del conjunto la serie de ampliaciones de gran formato que hicieron muy célebre a Vilatobà durante las dos primeras décadas del siglo XX.




Joan Vilatobà ( Sabadell , 1978/54 ) es uno de los fotógrafos pictorialistas más destacados del primer tercio del siglo XX . Hombre de inquietudes artísticas y de mentalidad avanzada, de joven ya se empezó a mover en los círculos artísticos y republicanos sabadellenses. En 1898 pasó un hecho que influyó notablemente en su carrera, le tocaba hacer el servicio militar, pero sus ideas pacifistas y el hecho de que en aquellos momentos España estaba en guerra en Cuba, le hicieron decidirse por huir del país. Esto le permitió vivir unos años en Toulouse y París, allí descubrió las obras de los fotógrafos pictorialistas que entonces dominaban el panorama artístico europeo.



Sense Títol, 1903-1904

Sensa Títol, 1903-1904

Sense Títol, 1903-1905

Sense Títol, 1903-1905
 
Noves generacions 1904-1905


De regreso en Sabadell, se dedicó a aplicar ese estilo fotográfico en series de paisajes, alegorías y desnudos, utilizando diversas técnicas, como el bromóleos, la goma bicromatada y el carbón transportado.

Recibió varios premios:  y distinciones:
1903 - Premi de "La Ilustració Catalana"
1905 - Premi del Concurs de Figueres
1905 - Premi del Concurs Audouard
1905 - Diploma d'Honor a l'Exposición Nacional de Fotografías de Bilbao
1905 - Gran Medalla d'Honor a l'Exposición Nacional de Fotografia de Madrid

En 1919 hizo una gran exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, que le dio reconocimiento en todo el estado.




El fondo de Joan Vilatobà se guarda en el Museu d' Arte de Sabadell y algunas de sus fotografías forman parte de la colección permanente del Museu Nacional d' Art de Catalunya.

http://www.a34.es/index.htm
Data: Del 3 de octubre al 3 de noviembre de 2013
Lugar: Galería A34, C/ Aribau 34, 08011 Barcelona


+ Información:

 http://www.nuvol.com/critica/ joan vilatobà en quin punt del cel et trobarè ?

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